{"id":617,"date":"2015-05-11T11:02:08","date_gmt":"2015-05-11T09:02:08","guid":{"rendered":"http:\/\/www.lucandreoni.com\/blog\/?p=617"},"modified":"2016-06-10T07:39:51","modified_gmt":"2016-06-10T05:39:51","slug":"luca-panaro-la-fotografia-tra-ostracismo-e-vanita","status":"publish","type":"post","link":"https:\/\/www.lucandreoni.com\/blog\/luca-panaro-la-fotografia-tra-ostracismo-e-vanita\/","title":{"rendered":"Luca Panaro – La fotografia tra ostracismo e vanit\u00e0"},"content":{"rendered":"

Il 30 aprile scorso \u00e8 stata la volta di Luca Panaro nella serie di incontri organizzati con la GAMeC di Bergamo. Panaro \u00e8 andato con estrema chiarezza dritto al punto, proponendo sia esperienze personali che riflessioni pi\u00f9 ampie riguardo alle persistenti difficolt\u00e0 del rapporto tra mondo dell’arte e fotografia, individuando da un lato i ritardi culturali e le approssimazioni degli addetti ai lavori riguardo alla fotografia, e dall’altro evidenziando, con a tratti brutale evidenza, le ingenuit\u00e0 dell’approccio alla questione da parte di tanti fotografi – tema, quest’ultimo, del quale credo non si discuta ancora abbastanza.
\nGli appunti che ci vengono proposti riassumono i punti sui quali si \u00e8 centrato il suo ampio discorso, proponendo anche alcuni esempi di lavori che pur essendo molto orientati artisticamente trovano tuttavia, per sua diretta esperienza, ancora difficolt\u00e0 ad essere accettati, ad esempio, dalle riviste d’arte.
\nAggiungo di avere molto apprezzato il suo invito finale – rivolto soprattutto ai giovani in risposta ad alcune domande – a prendersi dei rischi, a procedere sperimentalmente evitando terreni troppo sicuri (terreni tra l’altro gi\u00e0 fin troppo solidamente occupati) e ad accettare anche la possibilit\u00e0 del fallimento. Forse non ricordiamo mai abbastanza la ricchezza dell’esperienza del fallimento.<\/em><\/p>\n

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La fotografia tra ostracismo e vanit\u00e0<\/strong><\/p>\n

Da una parte prendo atto dell’esclusione dalla comunit\u00e0 artistica di quegli autori \u201ccolpevoli\u201d di utilizzare il mezzo fotografico in modo troppo puro. Dall’altra noto la crescente ambizione dei fotografi di essere parte del sistema dell’arte a tutti i costi. Tra questi due eccessi forse risiede la complessit\u00e0 della fotografia italiana, che oggi tenta faticosamente di emergere dalla palude dell’indistinto.<\/p>\n

Ostracismo: ovvero quando il mondo dell’arte mette al bando la fotografia<\/em>
\nDal 2001 scrivo su riviste d’arte. Spesso propongo di recensire mostre di artisti che lavorano con la fotografia. Questo \u00e8 quello che mi sento rispondere ormai da quindici anni: \u00abHo letto il progetto e devo dirti che \u00e8 veramente molto interessante; purtroppo per\u00f2 non saprei come contestualizzarlo all’interno della rivista visto che \u00e8 materia prettamente fotografica\u00bb. Perch\u00e9 le riviste d’arte non si occupano di fotografia? Perch\u00e9 il sistema dell’arte \u00e8 ancora in imbarazzo di fronte ad opere puramente fotografiche?<\/p>\n

Vanit\u00e0: ovvero quando il fotografo si compiace delle proprie capacit\u00e0 tecniche<\/em>
\nNel 1859 per Charles Baudelaire la fotografia era la palestra dei pittori mancati. E oggi? Visitando gli stand di alcune fiere, dopo 156 anni, verrebbe da pensare che Baudelaire non aveva tutti i torti. E non \u00e8 solo colpa degli \u201cautori\u201d, piuttosto di galleristi e collezionisti che li sostengono, digiuni di fotografia a tal punto da apprezzare soltanto le immagini che pi\u00f9 si avvicinano alla loro vera passione, la pittura. E cos\u00ec che appese alle pareti delle pi\u00f9 disparate gallerie vediamo fotografie dalle suggestioni varie, spesso con richiami al romanticismo, al realismo, all’impressionismo… mai alle specificit\u00e0 della fotografia!<\/p>\n

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Quali altre prospettive per la fotografia?<\/strong><\/p>\n

\"Olivo<\/a>

Olivo Barbieri, Alps – Geographies and People #2, 2012<\/p><\/div>\n

La sparizione del punto di vista<\/em>
\nOsservando la ricerca pi\u00f9 recente di Olivo Barbieri notiamo la sparizione del punto di vista, l\u2019aggiramento delle regole della prospettiva, la ricerca di un \u201cpunto-di-essere\u201d che si oppone al \u201cpunto-di-vista\u201d, come sostiene Derrick de Kerckhove, cio\u00e8 qualcosa di pi\u00f9 fluido, che va oltre rispetto a ci\u00f2 che vedo. Oggi infatti possiamo \u201csentire\u201d oltre ci\u00f2 che vediamo, possiamo sviluppare pi\u00f9 che vedere. Questo \u00e8 il grande salto in avanti che ci propongono le nuove tecnologie e i loro linguaggi. Quello che nelle immagini fotografiche di Barbieri \u00e8 segnato dal \u00abritorno al disegno, alla forma scarnificata delle cose, allo schizzo che immagina il progetto\u00bb. Come \u00e8 possibile apprezzare nelle immagini pi\u00f9 recenti della decennale serie fotografica site specific_<\/em>. Anche in Alps Geographies and People<\/em> (2012), Barbieri ci offre una visione, come lui stesso dice, vista dagli scalatori: \u00abcime, precipizi, crepacci, miraggi e allucinazioni nelle geografie. In queste immagini \u00e8 tutto vero. Le proporzioni e le forme sono reali. Anche le persone\u00a0 e la posizione in cui si trovano sono reali\u00bb. Eppure ci vengono mostrate come se fossero \u201csolid color\u201d, cartine mute della geografia che permettono di rappresentare sinteticamente\u00a0 una forma. In questo modo l’artista retrocedere a una forma primigenia delle montagne, che si mostrano piatte, prive di riferimenti prospettici.<\/p>\n

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\"Fabio<\/a>

Fabio Sandri, Io, 2003<\/p><\/div>\n

Il materiale fotografico<\/em>
\nNell’arte di Fabio Sandri invece si riscontra un modo diverso di intendere la fotografia. Nell’opera intitolata Io<\/em> (2003) il corpo dell’artista \u00e8 registrato sulla carta con la tecnica del Fotogramma, cio\u00e8 proiettando sul materiale fotosensibile il volume tramite una luce posta allo zenit. L’alone chiaro che si scorge \u00e8 il profilo della schiena e della testa, le macchie pi\u00f9 chiare al centro sono i piedi che toccano la superficie della carta. \u00c8 una rappresentazione della figura umana anomala, zenitale, \u201cprecipitata\u201d, che l’occhio non avrebbe mai potuto registrare. I bianchi corrispondono al contatto del corpo con la carta; i neri mostrano l’assenza di contatto quindi l’esposizione totale alla luce; i grigi invece indicano le rifrazioni dello spazio circostante, che consente alla luce di entrare anche dentro l\u2019ombra. \u00c8 la combinazione di grigi a dare l\u2019idea di volume e non di silhouette, di presenza plastico-spaziale. Questo aspetto distingue sostanzialmente il lavoro di Sandri dagli esperimenti off-camera gi\u00e0 noti alla storia della fotografia. Quest’ultimi, anche quando suggeriscono una tridimensionalit\u00e0, sono riferiti solitamente all’oggetto, in Sandri \u00e8 la verticalit\u00e0 dello spazio ad essere indagata, rigorosamente in scala 1:1.<\/p>\n

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\"Carlo<\/a>

Carlo Zanni, The Fifth Day, 2009<\/p><\/div>\n

I flussi di dati<\/em>
\nDall’inizio degli anni Duemila la pratica artistica di Carlo Zanni prevede l’uso di dati prelevati da Internet per creare esperienze di coscienza sociale basate sul trascorrere del tempo. Nell’opera intitolata The Fifth Day<\/em> (2009), l’artista mostra dieci fotografie da lui realizzate in Egitto che descrivono una corsa in taxi; disposte in sequenza, cambiano ogni volta che si ricarica la pagina web da cui sono fruibili, oppure quando i dati a cui sono collegate vengono modificati. Ogni fotografia \u00e8 dinamica (anche se statica in chi la guarda), ovvero utilizza dati provenienti da server di terze parti, alcuni dei quali derivati dall’utente stesso e dal suo collegamento a Internet del momento (come il nome della citt\u00e0 scritto sull’insegna di un negozio: \u201cRome\u201d se collegati da Roma, \u201cBeijing\u201d da Pechino, \u201cRedmond\u201d dallo stato di Washington, \u201cTemperley\u201d dall’Argentina). In altri casi la dinamicit\u00e0 dell’immagine \u00e8 data dagli ultimi collegamenti ricevuti: i colori degli abiti appesi in un mercato di Alessandria d’Egitto fotografato dal guard rail mutano in base agli indirizzi IP degli ultimi dieci utenti. L’operazione si ripete per ciascuna immagine, ottenendo un’opera che risente degli strumenti utilizzati per crearla, cio\u00e8 effimera, soprattutto quando i dati che l’opera utilizza come materia prima non sono sotto il diretto controllo dell’artista. La maggior parte delle opere di Zanni smettono di funzionare a distanza di tempo dalla loro realizzazione, immergendosi cos\u00ec nella realt\u00e0, subendo la stessa sorte di un oggetto di uso comune. Questa precariet\u00e0 dell’opera, se accettata (non solo dall’artista), diviene uno degli elementi caratterizzanti la ricerca contemporanea.<\/p>\n

Conclusione<\/strong><\/p>\n

La cura ai \u201cmali\u201d della fotografia (ostracismo e vanit\u00e0), punto di partenza di questa breve riflessione, trovano la giusta cura nella scuola, nella formazione, nell’educazione all’immagine, nella costruzione di quella consapevolezza critica necessaria a cogliere le peculiarit\u00e0 del mezzo, senza piegarlo, come spesso accade, al gusto di un’altra epoca. Questo porta alla creazione di nuovi canali di distribuzione per l’arte, aggiornati al nostro tempo, capaci di veicolare soprattutto le idee di un autore, non solo i loro manufatti. Come dice Brian Eno: nel futuro non si compreranno i lavori di un artista; si comprer\u00e0 un software capace di ricreare il suo modo di vedere.<\/p>\n

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